私は「Remnants-残されたもの」を集めて写真を撮りました。それは、失われたものや過ぎ去ったものの物語を秘めた作品です。

これらのテーマは、次の一連の作品「I Imagined It Empty」にも引き継がれています。

 

– ルース・ラウアー・マネンティ

 

 

 

 

 

I collected and photographed “Remnants”; pieces that held stories of something lost or passed.

 

These themes continue in the following body of work, “I Imagined It Empty”.

 

– Ruth Lauer Manenti

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ルース・ラウアー・マネンティは、米ニューヨーク州キャッツキル山地で暮らしているフォトグラファーです。彼女はイェール大学芸術学部で絵画とデッサンを学んだ後、独学でカメラの使い方を習得しました。彼女の作品は、自然、無常、些細な物事の中に美しさを見出すことを重んじる両親の教えにインスピレーションを受けています。

 

この度GALLERY PHOTOGRAPHSでは、”残されたもの”をテーマに、失われたものや過ぎ去ったものの物語を秘めたルースの作品シリーズ「Remnants (2014-2017)」と「「I Imagined It Empty」より２０点の作品をご紹介しております。独自に取材したオリジナルインタビューも含めて、どうぞお楽しみくださいませ！

 

 

 

 

 

Ruth Lauer Manenti is an American Photographer living in the Catskill Mountains of New York State. After studying painting and drawing at the Yale University, she taught herself how to use a camera. Her work is inspired by the teachings of her parents who valued nature, impermanence, and finding the beauty in small things.

 

GALLERY PHOTOGRAPHS is introducing 20 works from Ruth’s photographic series “Remnants (2014-2017)” and “I Imagined It Empty,” which tell the stories of things lost and bygone. Please enjoy her amazing works and the original interview with her as well!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 オリジナルインタビュー / ORIGINAL INTERVIEW

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-写真は独学とのことですが、具体的にはどのような方法で学ばれていったのでしょうか？

 

 

 

1980年代後半に初めてインドを旅した時に、ローライフレックス(*1)で写真を撮り始めました。カメラを購入した店(B&H)の店員が、使い方やフィルムの装填方法などを丁寧に教えてくれました。インドのすべてが視覚的に圧倒されるほど美しく、写真を撮りたいという強い衝動に駆られました。特に子供たちは撮影に大喜びで、全体的にインドの人々は友好的で、写真に写ることを楽しんでくれました。

 

私は、女性たちが朝、家のドアの前に米粉で描くランゴリ模様(*2)を撮影するのが好きでした。地元の商人にそのことを話すと、彼の村では都市よりも模様が古く、シンプルで、豊富なランゴリが見られると言って、訪問するよう誘ってくれました。翌日、彼はスクーターで私を迎えに来てくれ、村に着くと全員が私の訪問を待ち構えていました。どこの家にも新しく描かれたばかりのランゴリ模様がありました。彼らの写真に対するこのような寛大さは珍しいことではなく、私は毎年インドから何本ものフィルムを持ち帰りました。当時の写真はあくまでスナップ写真として考えており、自分は写真家ではなく画家だと思っていましたが、次第にその考えは変わっていきました。

 

写真に対して真剣に取り組むようになってからは、様々な写真の講座を受講し、それが大いに役立ちました。中でも特に印象的だったのは、「Long-Term Photobook Project」という１年という長期間のオンライン講座で、Image ThreadsとPenumbra財団を通じてジェニア・フリドランド（ロシア出身NY在住の写真家）に学んだことです。そして、最近ハートフォード大学で写真のMFA（美術学修士）を取得しました。また、1990 年代に学生として出会い、後にイェール大学で絵画とデッサンを教えていた偉大な写真家 Lois Conner とも親しい友人となりました。彼女からは多くのことを学び、時には挫折しそうになった時も、彼女の励ましに支えられながら頑張ることができました。

 

*1.ローライフレックス(Rolleiflex)は、ドイツのカメラメーカー「ローライ」が製造してきた二眼レフカメラ。ドイツ製の高級レンズを搭載しており、正方形の「真四角写真」を撮影することができる。　　　　　　　　　　　　　　　　　　*2. ランゴリ模様は、インドの家庭でよく見られる幾何学模様で、色のついた砂などを用いて素手で路面に描かれる。ヒンドゥー教の慣わしの一つで、その家庭に幸福を招くと考えられている。

 

 

 

 

 

-As a self-taught Photographer, how did you specifically start and learn Photography?

 

 

 

I started taking pictures with a Rolleiflex(*1) in the late 1980s when I was first traveling to India. The man in B&H where I bought the camera showed me how to use it, load film etc. I thought everything about India was visually breathtaking and had a strong desire to take pictures. The children especially were excited to be part of it but all in all the Indian people were friendly and happy to be in pictures.

 

I liked to photograph the Rangoli Patterns(*2) the women made with rice flour in the mornings in front of the door to their house. I mentioned this to one of the local merchants and he said that in his village the patterns were older, simpler, and more abundant than in the cities and he invited me to visit. He picked me up the next day on his motor scooter. His whole village was awaiting me and every house had a rangoli pattern freshly made. I found this kind of generosity with pictures not uncommon, and every year came home from India with many rolls of film. I always looked at these pictures as snap shots and considered myself a painter and not a photographer but gradually that has changed.

 

Since I have become more serious about photography, I have had numerous courses in photography, which have been very helpful. Most importantly I participated in the Long-Term Photobook Project, a one year online course with Jenia Fridlyand, through Image Threads/Penumbra and I recently received an MFA from the University at Hartford in photography. I am also dear friends with the great photographer Lois Conner whom I met in the 1990s as a student and later a teacher of painting and drawing at Yale. I have learned a lot from her and at times when I felt like giving up her encouragement kept me going. 

 

*1.Rolleiflex is a twin-lens reflex camera manufactured by the German camera manufacturer Rollei. It is equipped with high-quality German-made lenses and can take square photos.　　　　　　　　　　　　　*2.Rangoli Patterns are geometric designs commonly found in Indian homes, drawn by hands on the ground using colored sand and other materials. It is a Hindu custom and is believed to bring good fortune to the home.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-この度は、あなたの作品シリーズ「I Imagined It Empty」と「Remnants」からそれぞれ10作品ずつ紹介させていただいておりますが、これらのプロジェクトについて少し聞かせていただけますか？

 

 

 

 

最初の 10 枚の写真は、「Remnants (2014-2017)」というシリーズからの作品で、無常や儚さといったテーマを扱っています。当時、私は”残されたもの”を集めて写真を撮りました。それは、失われたものや過ぎ去った時間の痕跡を宿した作品です。これらのテーマは、次のシリーズ「I Imagined It Empty（何もない空間を想像した）」にも引き継がれています。

 

母は、めったに私に写真を撮らせてくれませんでしたが、人生の最後の１週間だけ考えを変えたのです。死が近づくにつれ、母は日ごとに輝きを増していきました。母が亡くなった直後、看護師たちは急いで母の体を覆い、運び去ろうとしました。どうしてそんなに急ぐのか不思議に思いました。しばらくの間そばにいることが、ごく自然なことのように思えたのです。母もまた芸術家でしたが、悲しいことに、彼女の作品のほとんどは残念ながら人目に触れることはありませんでした。引っ越しをするたびに母は絵を残していきましたが、私は幼すぎて、それが母にとってどれほど辛いことか理解できませんでした。「I Imagined It Empty」の制作中、私は母を偲ぶ作品を撮りたいと強く願っていました。そして、それが何らかの形で母への贈り物となり、彼女の歩みを繋ぐものになれば良いと。

 

私はNY州キャッツキル山地にある1940年に建てられた家に住んでいます。以前の所有者がここに長く住みいろいろな物を溜め込んでいたため、最初にこの家を見た時、屋内は非常に散らかっていました。しかし、どういう訳か、私はそれを見た瞬間に何もない空間を思い描き、どれほど美しい場所となるかわかりました。この家には小さな窓があり、そこから柔らかな陽の光が差し込みます。その瞬間、私は母の存在を感じるのです。人生はあっという間に過ぎ去り、私は多くの人々を失いました。親しい人もそうでない人も。突然の別れもあれば、覚悟していたはずなのに現実を受け止められなかった別れもあります。私は永遠にこの家に住むわけではないでしょう。家は私より長く残るかもしれませんが、私の一部がこの家よりも長く生き続けるのではないか、、そんなことを考えます。

 

 

 

 

 

-For this online exhibition, we are showcasing 10 works from each of your series “I Imagined It Empty” and “Remnants.” Could you tell us a bit about these projects? 

 

 

 

The first set of ten pictures are from a series entitled “Remnants (2014-2017)” having to do with ideas of impermanence and fragility. During that time, I collected and photographed remnants; pieces that held stories of something lost or passed. These themes continue in the following body of work, “I Imagined It Empty”.

 

My mother rarely let me photograph her, except in the last week of her life when she changed her mind. Each day, as she approached her death, she became more luminous. Immediately after she passed the nurses were in a rush to cover her body and take her away. I wondered why. It seemed so natural that I would want to stay with her for a while. My mother was also an artist but sadly most of her work went unseen. Each time we moved she left paintings behind, and I was too young to realize the pain of this. In the making of “I Imagined It Empty”, I had a strong wish to make a body of work in my mother’s honor, hoping that in some way that would reward her and create a kind of continuum. 

 

I live in a house that was built in 1940 in the Catskill Mountains. It was extremely cluttered when I first looked at it because the previous owners were hoarders and had lived there for many years. Yet, somehow when I saw it, I immediately imagined it empty and knew it would be beautiful. My house has small windows that let the sun light in gently, and when this happens I feel my mother’s presence. Life is going by quickly and I have lost many people, close to me, and not, in ways unexpected or if expected, naively I did not see coming. I know that I will not live in this house forever. The house will hopefully outlive me, but I wonder if a part of me will outlive the house.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-あなたの作品の色彩やトーンは、懐かしさや回想を呼び起こすようですが、モノクロ写真にこだわる特別な理由があるのでしょうか？

 

 

 

白黒写真は世界を抽象化し、作品に詩的な雰囲気を与えてくれると思います。カラー写真はどこかリアル過ぎるように感じますし、色の扱いは難しく、白黒の方がコントロールしやすいのです。だからと言って、簡単だから自然にできるから、という理由だけでカラーを避けるべきではないとも思っています。

 

ただ、今のところカラーは自分にとって複雑すぎるように感じます。今は冬で、私が住んでいる場所では空が銀色がかっていて雪は淡いピンク色です。それをカラーで撮影しようと試みましたが、なぜかいつもくすんだ緑色になってしまいます。とはいえ、レベッカ・ノリス・ウェブ（米写真家・詩人）、ソフィ・カル（フランス芸術家）、トッド・ハイド（米写真家）のカラー写真や、シャンタル・アケルマン（ベルギー映画監督）の作品「The Whole Night（一晩中）」の色使いはとても好きです。

 

 

 

 

 

-The colors and tones in your work seem to evoke a sense of nostalgia or reminiscence. Do you have any specific reason to why you are committed to monochrome photography?

 

 

 

I think black and white abstracts the world and that gives a poetry to my work.  Color somehow looks too real. I also find color very hard to manage and black and white easier to control. This is not a good reason to not use color in that I don’t think one should only do what is easier or comes more naturally.

 

That said for now color feels too complicated. Here it is winter and where I live the sky is kind of silver and the snow pink and I have tried to photograph it in color, but it always ends up a strange dull green. I love the color photography of Rebecca Norris Webb, Sophie Calle and Todd Hido, and the color in The Whole Night by Chantal Akerman.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-あなたが撮影したシーンに非常に興味を引かれます。被写体はどのように選び、写真を撮るときに何を考えていますか?

 

 

 

うーん、陳腐な表現のように聞こえるかもしれませんが、私が被写体を選ぶのではなく、被写体が私を選ぶのだと思います。まるで、ほうきや皿、リンゴ、そしてガラスが私に、写真を撮って、と語りかけてくるようで、そう感じると無視できなくなるのです。私は、特別に華やかでも圧倒的でもない、少し使い古されたような、慎ましやかな物に惹かれます。私の父はいつも同じ古いシャツを着て背中を丸めていましたし、母の目は片方が大きく外側に向いていました。彼らが私に写真を撮らせてくれる時、その疲れを帯びたような感じ　　がとても好きでした。

 

私は、シャンタル・アケルマンの映画の画面構成がとても好きです。とてもまっすぐで、真正面、ど真ん中で、且つゆったりとした構図です。彼女はおそらく私に大きな影響を与えていますが、カメラを覗いているときにはあまり意識していません。もっと色々と気を使うべきかもしれませんが、一方で、何も考えていない時にふと静寂が訪れ、まるで夢を見ているような状態になり、それが私に好影響を与えます。私はその感覚を信じて撮るようにしています。

 

 

 

 

 

-We are intrigued by the scenes you capture. How do you choose your subjects and what goes in your mind while you frame your shots?

 

 

 

Hmmm- it will sound cliché but I don’t think I choose my subjects, rather that they choose me. It’s as if the broom, plate or apple, and now the glass says to me “take my picture” and then I can’t let it go. I’m drawn to humble objects, nothing too spectacular or overwhelming, something with a little wear and tear to it. My father was hunched over often in the same old shirt, and my mother had an eye that rolled way off to the side. When they would let me photograph them, I liked these weary qualities. 

 

I like the framing in the films of Chantal Akerman a lot, very straight forward, frontal, dead center, slow. She is probably a big influence on me but when I’m looking through the camera, I don’t give it too much thought. I should probably give it more attention but on the other hand when I’m not thinking I get quiet and it’s almost like a dream state that affects me, and I trust that way of working.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-制作過程において、最も楽しんでいらっしゃることは何ですか？また、最も難しいと感じることは何でしょうか？

 

 

 

私はアーティストであることに感謝しています。もし創造的な表現の場がなかったら、きっと大変なことになっていただろうと思います。制作をすればするほど、作品が私に多くのものを与えてくれる。作品は私を超えた存在であり、私はただそれに従い、育み、問いかける。作品自体が生きているのです。

 

最も難しいのは、作品が最終的にどこに行き着くのか、誰も観てくれなかったらどうなるのか、洪水が来てすべてが流されてしまったらどうなるのか….といったことを私がとても気にしてしまうということです。私のスタジオは森の中の小さな小屋で、ここでは孤独で無防備に感じることがあります。時々、音楽家や俳優だったらの良かったのにと思うこともあります。そういう芸術は物質的なものではなく、もっと体験としての側面が強い。でもそのような仕事こそ、観客がいないともっと難しいのかもしれませんね。私は仕事中はほとんど一人でいますが、それでも大丈夫です。私は写真が好きです。光が箱をすり抜けていく、その仕組みさえ愛しています。

 

 

 

 

 

-What part of the creative process do you enjoy most, and what do you find most challenging?

 

 

 

I am grateful to be an artist. I think I would have found myself in big trouble without having a creative expressive outlet to devote myself to. The more I work, the more the work gives, its bigger than me, I follow, nurture, and question it but its alive.

 

What’s most challenging is that I care so much about it- where it will all end up, what if no one sees it, what if a flood comes and takes it all away. My studio is a cabin in the woods, and it can feel lonely and vulnerable out here. I sometimes wish I was a musician or actor where the artistry is less of a material object and more an experience, but I’m not complaining either as with that kind of work perhaps it’s harder without an audience.  Much of the time I’m solitary while working and fine with that. I love photography; light traveling through a box etc.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-アーティスト、フォトグラファー、映画、音楽など、何か好きな芸術家や作品はありますか？

 

 

 

ああ、私はアート、文学、音楽、すべてが大好きです。リストは無限ですが…ほんの数例を挙げると、、

 

映画監督 — アッバス・キアロスタミ（イラン）、ジョン・カサヴェテス（米）、サタジット・レイ（インド）、小津安二郎、ミケランジェロ・アントニオーニ（伊）、ライナー・ヴェルナー・ファスビンダー（ドイツ）、デヴィッド・リンチ（米）、ジャスティン・トリエ（仏）、ジャファル・パナヒ（イラン）、是枝裕和、イングマール・ベルイマン（スウェーデン）、マイク・リー（英）、ジュリアン・デュヴィヴィエ（仏）、ペイズリー・ウォルシュ（米） 

 

画家 — アグネス・マーティン（カナダ）、ジョルジョ・モランディ（イタリア）、マーク・ロスコ（米）、ブリンキー・パレルモ（独）、ブライス・マーデン（米）、ロバート・ライマン（米）、サラ・ラプソン（英）、フランシスコ・ゴヤ（スペイン）、ジョット・ディ・ボンドーネ（伊）、ルシアン・フロイド（独）、シーリア・ポール（英）

 

詩人 — ジョン・アッシュベリー（米）、ロザンナ・ウォーレン（米）、エミリー・ディケンソン（米）、ハート・クレイン（米）

 

作家 — ヴァージニア・ウルフ（英）、ウィリアム・フォークナー（米）

 

歌手 — カレン・ダルトン（米）、マリアンヌ・フェイスフル（英）、ビリー・ホリデイ（米）、チャン・マーシャル/キャット・パワー（米）

 

音楽家 — ビル・エヴァンス（米ピアニスト）、グスタフ・マーラー（オーストリア作曲家・指揮者）、マイルス・デイヴィス（米ジャズトランペット奏者）、パティ・スミス（米シンガーソングライター）、ローリング・ストーンズ（英ロックバンド）、フランツ・シューベルト（オーストリア作曲家）、海野雅威（ピアニスト）、ジョン・コルトレーン（米サックス奏者）

 

写真家 — ジェニア・フライドリャンド（米）、ユタ・バース（米）、ナンシー・レックスロス（米）、リサ・オッペンハイマー（米）、アン・マイ・リー（ベトナム系米国人）、ティム・カーペンター（米）、レイモンド・ミークス（米）、アドリアーナ・アウルト（米）、ロイス・コマー（米）、ブライアン・シュットマート（米）、マシュー・ジェニテンポ（米）、レベッカ・ノリス・ウェッブ（米）、トッド・ハイド（米）、クロエ・ジョーンズ（米）、マテオ・ルイス・ゴンザレス（コロンビア）、マテオ・ブオノモ（伊）

 

 

 

 

 

-Are there any particular artists, photographers, films, music or any other art forms that you like? 

 

 

 

Oh I love art, literature, music, all of it – the list would be endless…. But just to name a few:

 

Film makers — Abbas Kiarostami, John Cassavetes, Satyajit Ray, Yasujiro Ozu, Michelangelo Antonioni, Rainer Werner Fassbinder, David Lynch, Justine Triet, Jafar Panahi, Hirokazu Koreeda, Ingmar Bergman, Mike Leigh, Julien Duvivier, Paisley Walsh

 

Painters — Agnes Martin, Giorgio Morandi, Mark Rothko, Blinky Palermo, Brice Marden, Robert Ryman, Sarah Rapson, Franciso Goya, Giotto di Bondone, Lucian Freud, Celia Paul

 

Poets — John Ashberry, Rosanna Warren, Emily Dickenson, Hart Crane

 

Writers — Virginia Woolf, William Faulkner

 

Singers — Karen Dalton, Marianne Faithfull, Billy Holiday, Chan Marshall (Cat Power)

 

Music — Bill Evans, Gustav Mahler, Miles Davis, Patti Smith, The Rolling Stones, Franz Schubert, Tadataka Unno, John Coltrane 

 

Photographers — Jenia Fridlyand, Uta Barth, Nancy Rexroth, Lisa Oppenheimer, An My Le, Tim Carpenter, Raymond Meeks, Adrianna Ault, Lois Conner, Bryan Schutmaat, Matthew Genitempo, Rebecca Norris Webb, Todd Hido, Chloe Jones, Mateo Ruiz Gonzalez, Matteo Buonomo

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-日本に興味はありますか？好きな日本人アーティストはいますか？

 

 

 

私の最も親しい友人の一人に、高見麻子という女性がいました。彼女は若くして癌で亡くなりました。素晴らしいダンサーでした。

 

日本には２度行ったことがあります。大学院生の時の先生の一人 海原力氏（現在NYで活動している日本人写真家）が東京で10日間私のクラスを主催してくれました。ちょうどその時TOPS（東京都写真美術館）でホンマタカシ（日本の写真家）の展示会が開かれていて、私は彼の作品に衝撃を受けました！

 

小津安二郎の映画は全て観ましたし、溝口健二の作品も繰り返し観ていて、特に「東京物語」と「赤線地帯」が大好きです。

 

私は日本料理のファンでもあり、かつてはジョージ・オーサワ（桜沢如一）の思想やレシピを参考にしながらマクロビオティックの食生活を送っていた時期もありました。

 

また私の夫は、結婚生活30年の間、佐々木指月の著書「Zen Pivots（禅の転換）」を時折り読んでいます。佐々木指月（曹溪庵）は1930年にニューヨーク市でアメリカ仏教協会を設立した日本人臨済宗の僧侶です。夫はその本を常に枕元に置いていて、よく私に朗読してくれます。　　

 

 

 

 

 

-Are you interested in Japan?　Any Japanese Artist you know?

 

 

 

One of my closest friends was Asako Takami. She died young of cancer. She was a great dancer. 

 

I have been to Japan twice. When I was in grad school one of my teachers was Chikara Umihara. He hosted my class for 10 days in Tokyo and at the time there was a Takashi Homma show up at TOPS (Tokyo Photographic Art Museum) which blew my mind! 

 

I have watched and rewatched all the films of Yasujiro Ozu as well as Kenji Mizoguchi and especially love “Tokyo Story” and “Street of Shame”.

 

I’m also a fan of Japanese cusine and at one time in my life kept a macro biotic diet following some of the precepts and recipes of George Ohsawa.

 

My husband has been reading on and off throughout our 30 years of marriage “Zen Pivots” by Sokei-an Shigetsu Sasaki, the Japanese Rinzai monk who founded the Buddhist Society of America in New York City in 1930. He keeps it by his bed side and reads to me from that often. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

-将来的に何かやりたいことや、今すでに考えていることがあれば是非教えてください。

 

 

 

私は『I Imagined It Empty』に続いて写真集を出版する予定です。この本は『I Imagined It Empty』の続編となります。母が亡くなってから、母の親友を撮影した作品が収められています。

 

現在は、いくつかの異なるシリーズの写真に取り組んでいます。1つは、太陽の光がテーブルの上のガラスに当たり、壁にもたれるようにして光が移動していく様子を捉えたもの。もう1つは、窓の前に掛けられた布に光が当たることで生まれる表情を記録したものです。このシリーズは、実はカラーで、布にはインディゴ、ブラウン、ターコイズブルーのさまざまな色合いが現れています。最後に、雨と寒さの中、スタジオのドアの外で自分自身を撮影したポートレート写真です。この3つの要素を何らかの形で組み合わせることができればと思っています。

 

今一番願っているのは、自分の作品を展示する機会を得ることです。写真集『I Imagined It Empty』は完売していますが、多くのプリントが手元にあるので、展示し、共有し、さらには販売できたら素晴らしいと思っています。最近の作品のプリントもあります。

 

 

 

 

 

-Please tell us if you have something you want to do in the future or any project you already have in mind.

 

 

 

I have a follow up book to “I Imagined It Empty” which will hopefully be published soon. That book is a continuation of “I Imagined It Empty”. I photographed my mother’s best friend since my mother has passed away.

 

I’m presently working on several different series of photographs. One is of sunlight hitting a piece of glass on my table and leaning against the wall and capturing the movement of the light. Another is of a piece of cloth hung in front of a window and how the light illuminates the cloth. Those pictures are actually in color. The cloth is many shades of indigo, brown and turquoise blue. Lastly pictures of me outside my studio door in the rain and cold. My hope is to combine these three elements somehow. 

 

What I really wish for is a chance to exhibit my work. “I Imagined It Empty” is sold out but I have lots of prints and it would be wonderful to show, share and even sell them. I also have prints of my most recent works. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

 

 

 

 

 

ルース・ラウアー・マネンティは、1994年にイェール大学芸術学部で絵画とデッサンの修士号を取得しました。2012年に初めて大判カメラを手にし、独学で使い方を学びました。徐々に、写真を通して、デッサンと絵画で目指していたことを達成していきました。彼女の母親もまた、無名の作品を残した芸術家でした。芸術家としてのルースの決意の一つは、母親の努力に報いること、そしてその思いを受け継ぎ繋げていくことです。ルースは最近ハートフォード大学を卒業し、美術学修士課程の成績優秀者奨学金を獲得しました。

 

彼女の父親は、シャツに開いた穴の中にさえ美しさを見出しました。それが儚さや無常さを物語るものだったからです。母親は、台所の窓から食器を洗いながら眺められる木があることに、深く感謝するような人でした。彼女の両親は多くの苦難を経験しながらも、詩的な感性を持ち続け、それはルースにも受け継がれています。20 歳の時に自動車事故で首を骨折して以来、ルースは精神的な生活と習慣を育み、それが彼女の写真作品の原動力となっています。彼女は現在、看護師で太極拳の実践者である夫と 2 匹の猫とともにニューヨーク州のキャッツキル山地に住んでいます。

 

 

 

 

 

Ruth Lauer Manenti received an MFA from The Yale School of Art in painting and drawing in 1994. In 2012, she was given a large format camera and taught herself how to use it. Gradually she accomplished what she was striving for in drawing and painting through photography. Her mother was also an artist who left behind a legacy of unknown work. Part of Ruth’s determination as an artist is to reward her mother for her efforts and to create a continuum. Ruth recently graduated from The Hartford School of Art where she received a merit scholarship for her MFA studies.

 

Her father found beauty in a hole in his shirt; in the way that it spoke of impermanence and fragility. Her mother was grateful that there was a tree she could admire from the kitchen window while washing dishes. Her parents endured a lot of suffering yet lived with poetic sensibilities that Ruth has inherited from them. Since breaking her neck in a car crash at the age of twenty, Ruth has developed a spiritual life and practice that has propelled much of her photographic work. She lives in the Catskill Mountains in NY with her husband, a nurse and tai chi practitioner and their 2 cats.